La importancia del otoño

Pocas personas te dirán que les gusta el Otoño, una estación poco vistosa, en la que muchos comienzan nuevas etapas, sinónimo de los primeros resfriados. La mayoría prefiere el verano, con sus vacaciones y fiestas, diversiones y alegrías, otros te dirán que es mejor la primavera, asociada al amor, a ese refranillo que tanto odio y que todos sabemos, "la sangre altera", o incluso dirán que les encanta el invierno, felices ellos con una mantita al hombro mientras ven llover y mojarse a los demás con la paz y satisfacción plena que siente uno al sentirse protegido por el bendito radiador. En el cine, en cambio, el otoño es, con seguridad, el mejor mes para contar historias.

Clint Eastwood, Anthony Mann, Sidney Pollack y otros grandes directores rodaban los exteriores de sus películas en otoño por su luz más tenue y oblícua. Recuerdo por ejemplo Mystic river, pronto uno de nuestros impresindibles, rodada a principios de Octubre en Boston, con esa luz especial que invita a la reflexión durante toda la cinta, una luz que envuelve la historia y nos la sirve a media tarde, con las hojas de los árboles ya en el suelo.

Grandes películas además, tienen el otoño como actor secundario de lujo. A continuación os presento alguna de ellas, geniales todas, que se sirvieron del ambiente otoñal como recurso para conectar con el espectador y hacerlo suyo.

• PHILADELPHIA

Dirigida por el genial Jonathan Demme, (El silencio de los Corderos), y con una banda sonora acompañando a Tom Hanks durante toda la película, Philadelphia cuenta la historia de un hombre que es injustamente despedido víctima de la discriminación homofóbica. La película fue estrenada en el año 1993 con gran éxito y a Tom Hanks le valió su primer Oscar y su segunda nominación de su carrera. El otoño, presente también en la cinta, nos enseña una ciudad que poco a poco oscurece, como el personaje de Hanks.

• OTOÑO EN NUEVA YORK

La ciudad de los rascacielos pintada con colores otoñales. Dirigida por Joan Chen y protagonizada por Richard Gere y Winona Ryder muestra un Nueva York enamorado, lleno de parques y hojas cayendo, en el que Gere se enamorará de la pobre Winona y de su juventud. Juntos vivirán un romance breve pero muy intenso, el pleno otoño. Desde entonces me encanta esa ciudad, lo reconozco.

• CANTANDO BAJO LA LLUVIA

Esta película no podía faltar. Estrenada en 1952 nos muestra a un Gene Kelly enamoradísimo cantando y bailando en plena calle sin importar resfriados ni neumonías, como tiene que ser. Una película que te alegra y te transmite positividad, a pesar de que el tiempo ya no invita y de que las calles ya están vacías.

Me gusta el otoño. Y a nuestro blog, además, le da suerte. Iniciamos en Noviembre dos nuevas secciones y se incorporan como críticos de lujo dos blogeros que darán mucha guerra. Ismael Cruceta y Piru nos escribirán a través de "La fila 11" y "desde un pequeño rincón de Madrid" sus impresiones sobre el séptimo arte. Dos incorporaciones que agradezco profundamente y os presento emocionado. No os perdais sus blogs, son dos grandes artístas.

Blog Piru: http://warblackwest.blogspot.com/
Blog Ismael Cruceta: http://cajondehistorias.blogspot.com/

No puedo estar más feliz. Ya no me importa que llueva, Noe y yo esperaremos a que escampe tomando café con dos grandes compañeros. ¡¡¡ SUERTE CHICOS !!!

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Los tres mosqueteros de Paul W.S Anderson

La verdad es que no sé muy bien por donde empezar para hablar de está película.
Cualquier versión que se haya hecho en la historia del cine, televisión, dibujos animados o incluso en funciones escolares es mejor que esta película. Sin embargo, la historia original, y diciendo historia original me refiero a la de Alejandro Dumas, es tan buena, que hasta este bodrio te entretiene.
Por destacar algo positivo, diría que las escenas de espada, que el director nos muestra en cámara lenta, impresionan, y dan un giro de tuerca a las versiones anteriores muy interesante. También las actuaciones de los tres mosqueteros, es decir, Ray Stevenson como Porthos, Matthew Macfadyen como Athos y Luke Evans como Aramis le dan una calidad a la cinta inexperada y refrescante. Ambas cosas, enmarcadas en unos escenarios espectaculares y un vestuario precioso, casi consiguen que te olvides de lo malísimo que es el resto de las cosas.
Un guión repetitivo y unos actuaciones en ocasiones muy sosas como Logan Lerman como D'Argtanan. Y otras actuaciones extremadamente exageradas como las de Orlando Bloom como el Duque de Buckingham y Milla Jovovich como Milady de Winter.

En resumen, entretiene pero si no la veís seguramente empleareís vuestro tiempo mucho mejor

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El Árbol de la vida, de Terrence Mallick

Cómo lamento tener que dedicar nuestro post número 100 a esta película. Lo traía ensayado con tiempo, lo reconozco. Pensé que estaría bien que coincidiera este número redondo con la que iba a ser la cinta del año. Que equivocado estaba...

Todo en el Árbol de la vida es lento y aburrido. Sólo un ejercicio de un director "venido a más" que cansa y agota con los, eso sí, perfectos y maravillosos planos que te ahogan hasta decir basta. Una película que nada cuenta y mucho fatiga, con una falta de síntesis bastante evidente, ( que gran momento si hubieseis podido ver mi cara en el momento en el que aparecen los dinosaurios...) en la que los actores intentan salvar un proyecto muy tocado por el desinteres de su director en contar una historia. Más parece que Terrence Malick está más ocupado en buscar escenarios ideales para filmar y en luces y colores que queden bien en pantalla. Y esto no se hace por el amor de dios, ¡¡Que era nuestra entrada número 100 !!

Pocas cosas se salvan de la cinta. Mencionar a los actores, en especial a Brad Pitt, muy encasillado durante muchos años pero con un gran potencial que cada día va a más, (genial en Benjamin Button y Malditos bastardos), que hace un papel más que aceptable ante la dificultad de una película como esta. Sean Penn, humillado públicamente, a penas sale 5 minutos y su dialogo se reduce a un par de frases sin importancia, con razón se quejó del trato en esta cinta preguntándose incluso qué es lo que hacía en la película. Un ejemplo más de la controversia de este director que escribe una cosa y filma otra.

Era nuestra entrada número 100, pensaba celebrarlo con una película de cinco estrellas, pero al final me tengo que conformar con darle solo una. Una película controvertida que no pasará a la historia.

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Primos, de Daniel Sánchez Arévalo

Bueno, en primer lugar, quisiera pedir disculpas por el retraso en los post, hemos tenido unas semanas difíciles que, unidos a diferentes problemas técnicos, nos han impedido seguir escribiendo en nuestro blog de forma habitual. Esperemos que a partir de ahora, nuestros escritos lleguen de una manera más rápida; hay mucho que contar. Hoy toca Primos.

Me habían hablado muy bien de ella hace un par de meses, pero no había podido verla hasta hace unos días.

Primos, de Daniel Sánchez Arevalo cuenta la historia de Diego, (Quim Gutierrez), un hombre bueno pero con una verborrea muy dificil de soportar al que su novia le deja plantado el día de su boda. Sus primos, (Raúl Arevalo y Adrián Lastra) deciden llevarle al pueblo de su infancia para hacerle olvidar y, de paso, que conozca a otras chicas como Martina, (Inma Cuesta), una exnovia que le hará plantearse qué es lo que quiere en su vida.

Es una comedia agradable y divertida, rodeada de grandes actores, (me encanta Antonio de la Torre), en una Cantabria muy entrañable. Es a lo que nos tiene acostumbrados Sánchez Arevalo, Si en Gordos ironizaba sobre la locura humana, en Primos bromea sobre el amor de una manera tierna e infantil, pero muy real y cercana.

Tambien destacar el papel de los actores, todos correctos. Quim Gutierrez parece ir de más a menos, con un inicio espectacular y muy divertido. Raúl Arevalo y Antonio de la torre espectaculares, igual que Inma Cuesta. Para mí el más destacado es Adrián Lastra, al que vi en el musical Hoy no me puedo levantar y que demuestra su gran potencial. ¿nominado a actor revelación quizá, aunque ya esté revelado?

Una película que entretiene, que es el objetivo del film. Y lo consigue.

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Imprescindibles: Drácula de Francis Ford Coppola

Francis Ford Coppola lo volvía a hacer. Después de sonados fracasos financieros como la desastrosa Apocalyse Now, llegaba en 1992 con Drácula. Una película, que si bien no es su obra maestra, (de momento el honor es para la trilogía de El Padrino), si es un claro ejemplo de lo grande que es este director. En esta ocación, nos ofrece la mejor adaptación de la novela de Bram Stoker, una historia de vampiros y de sangre. Pero sobre todo, una historia de amor.

Amor. Sí. Quizá la mejor película de amor de todos los tiempos, en la que el conde Vlad es condenado a vivir eternamente como un no-muerto después de rechazar sus creencias debido a la muerte de su amada. Muchos años después, el destino le devolverá a su amada en el cuerpo de Mina, una bella mujer y prometida de un joven secretario, que acude a su castillo con el fin de tramitar la venta de unos terrenos que el conde compra en Londres. Su lucha por el amor eterno le llevará al Londres de finales del siglo XIX, (magníficamente bien creado, con una fotografía espectacular), donde cometerá verdaderas atrocidades con un único fín: que su amor regrese a su casa y vivan juntos para siempre.

Son varios los argumentos para que esta cinta sea imprescindible. El primero lo he dicho ya, la mejor adaptación de una novela cargada de amor, de amor puro, con toda su belleza. Y destrucción.

La música. Una banda sonora compuesta por Wojciech Kilar, famoso por su trabajo en El pianista de Roman Polanski y La Lista de Shindler ,que crea una melodía desgarradora, que empieza desde la oscuridad gracias al sonido imparable de los sonidos de cuerda y que termina con una melodía amable y tranquila pero con un transfondo de horror que envuelve toda la historia. Una banda sonora que culmina con el éxito Love Song for a Vampire, de Annie Lennox. Una canción que refuerza el amor de esta película. "Pues no existe en todo el mundo, un amor mayor que el mío".

Los actores. Anthony Hopkins, Winona Ryder... pero muy especialmente Gary Oldman, injústamente tratado, merecedor de, al menos, una nominación al Oscar por esta película en la que llegó a bajar una Octava su propia voz y que en España se tuvo que recurrir a dos dobladores distintos para igualar el registro. Un personaje que es capaz de enamorar y aterrar a la vez. Una interpretación irrepetible.

Un clásico del cine, que te enamorará, con un gran vestuario y una bella puesta en escena. No os arrepentireis.

CURIOSIDADES:

• Coppola quiso reunir a los actores en su casa mucho antes del rodaje para que convivieran y tuvieran experiencias juntos. Entre esas experiencias figuraba la lectura conjunta de la novela de Bram Stoker, lo cual les llevó 2 días completos, según el propio Anthony Hopkins. Tras dicha lectura, se les pidió a los actores que aportaran ideas para la película, lo cual acabó cambiando por completo el guión original. Según Winona Ryder, que dió a conocer dicho guión al propio Coppola, en principio se trataba de un texto muy filosófico y casi meditativo (narrado en 1ª persona) y no presentaba para nada la estructura que acabó teniendo al final. Uno de los añadidos principales de Coppola fue el prólogo en el que se relaciona la figura histórica de Vlad Tepes, o Vlad el Empalador, con el personaje creado por Bram Stoker.
• El extraño cochero que recoge a Jonathan Harker para llevarle al castillo de Drácula también fue encarnado por el propio Gary Oldman. La película coincide en ese punto con la novela de Stoker, en donde se insinúa que es el Conde mismo quien conduce su coche de incognito.
• Antonio Banderas fue candidato al papel de Drácula, siendo descartado finalmente cuando sólo quedaban tres posibles actores para el papel. El otro candidato fue Jeremy Irons. El motivo por el que no logró ser el elegido fue que no quedaba convincente hablando inglés con acento rumano. Años después llegó su consolidación como estrella de Hollywood interpretando precisamente a otro vampiro en Entrevista con el vampiro

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Larry Crowne, nunca es tarde

Larry Crowne , (TomHanks), es un hombre de mediana edad, simpático y feliz que es repentinamente despedido en su empresa debido a la crisis económica. Sin saber que hacer, decide empezar una vida nueva y aprovechar su tiempo y dedicarlo a estudiar en la universidad. Allí conoce a Mercedes Tainot, (Julia Roberts), su profesora, de la que sorprendentemente se sentirá atraído. Será en este punto cuando comience para él una vida nueva.

He de reconocer que el mensaje es bueno. A Larry lo despiden por no tener estudios, porque sin ellos no puede avanzar en su empresa. Él decide poner remedio y matricularse en la universidad. Podría parecer una película de superación, optimista y alegre, pero no es así. A Larry Crowne le faltan muchos matices en el guión y peca de ingenua en muchas ocasiones. Una lástima y una oportunidad perdida.

Tras una primera parte bastante pésima, (incluído el despido, que debería ser uno de los momentos claves y que se convierte en un fiasco absoluto para el espectador debido a unas gracietas sin sentido y repetidas en el cine una y otra vez) la segunda levanta un poco el film, solo lo justo, gracias a algunas miradas de resignación de Julia Roberts y a los momentos más cómicos de la cinta con el profesor de economía Dr. Matsutani, (interpretado por George Takei).

Una pena en todos los sentidos, pero especialmente por los actores. Dos grandes, él mejor que ella, que en la última década han caído en una profunda crisis. Considerado como el mejor actor de los años 90 gracias a títulos como Philadelphia, Forrest Gump, Salvar al sodado Ryan o Naúfrago, Hanks ha perdido algo de luz en su imágen y ya no luce como antes. Julia Roberts, encasillada siempre en los mismos papeles, vuelve a hacer lo que sabe hacer, sin más. Y eso ya no es sorpresa.

Una película con las bromas justas para pasar el rato. No se puede esperar más de ella a pesar del reparto. Una lástima.

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La piel que habito de Pedro Almodóvar

Las luces del cine se encienden y entonces el silencio y la congoja se apodera de nosotros durante unos minutos.

-¿Te ha gustado?- me preguntan.

-No lo se- respondo yo.

Pasan los minutos y la mente se descongestiona, poco a poco. Recuerdo algunas escenas, me estremezco y es ahí cuando contesto:

- Sí, me ha gustado. Y mucho además.

Querido Almodóvar, hago las paces contigo. Me rindo. Me has ganado, ya está, lo he dicho. Si bien es cierto que su filmografía de los años 80 y 90 no es santo de mi devoción, (Matador, La ley del deseo, Átame, Tacones Lejanos, Carne trémula...),la última década ha conseguido depurar su técnica, (la suya propia), reinventarse a sí mismo y perfeccionarse hasta la maestría con títulos como Todo sobre mi madre, Hable con ella, Volver, (genial) o Los abrazos rotos. En la Piel que habito vuelve a demostrar su genialidad con una cinta íntima y grotesca, cruel y despiadada que, si bien podría rozar lo esperpéntico, no cae en la deshonra debido, seguramente, a lo bien contada que está, con dos partes muy diferenciadas que se complementan a la perfección y con un desarrollo absolutamente sorprendente que deja entre ver, eso siempre, que ésta es una cinta de Pedro. Al final llega esa sensación almodovariana que uno siente en todas sus películas. Todo un logro. Y un síntoma de que este hombre es un genio.

 

A destacar los actores. Todos. Antonio Banderas borda un papel que suena a Goya y que logra, por primera vez, poner de acuerdo a los críticos ante su grandísima interpretación. Elena Anaya, enorme, que sale del entuerto por la puerta grande y Marisa Paredes y Jan Cornet, secundarios de lujo que estarán presentes, si de verdad la Academia y Almodóvar están reconciliados, en la lucha por los Goya. Al igual que la música, compuesta por el gran Alberto Iglesias, (no podía ser otro) y que se pasea por la película a sus anchas con una perfección absoluta.

Una de las grandes películas del año que dará que hablar durante un tiempo.

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